La cantante ucraniana de nombre artístico “Vlada K” se llama realmente Vladyslava Vaslylivna Kitseliuk; nació el 10 de enero de 2012 en Ivano-Frankivsk. Fue mini-miss Ucrania en el año 2019 y, según la revista “Ukrainian People” también fue “La niña más talentosa del 2021”. Ha ganado múltiples premios y galardones en el mundo musical. Tras … Continue reading “Música moderna – Vlada K”
La cantante ucraniana de nombre artístico “Vlada K” se llama realmente Vladyslava Vaslylivna Kitseliuk; nació el 10 de enero de 2012 en Ivano-Frankivsk.
Fue mini-miss Ucrania en el año 2019 y, según la revista “Ukrainian People” también fue “La niña más talentosa del 2021”. Ha ganado múltiples premios y galardones en el mundo musical.
Tras realizar sus estudios en un liceo privado en Ivano-Frankivsk, el 14 de febrero del 2019 se lanzó oficialmente como cantante, utilizando el nombre artístico “Vlada K”. En octubre de ese mismo año representó a Ucrania en el concurso “Little miss and little mister United World” en España, en donde obtuvo el título de “Mini Miss United World”.
Luego ganó algunos premios en concursos en Bulgaria, Praga y también en la capital de su país, Kyiv. En septiembre de 2020 presentó su segundo concierto en solitario, además de lanzar el videoclip “Feeling only Love” (video abajo). En 2021 tomó el trabajo de presentadora del programa “Kids News” en Obozrevatel y, junto a Tymur Myroshenko, dirigió el programa especial de año nuevo «Різдвяне Диво» en ese mismo canal. Ese mismo año lanzó su video clip «Схованки» – “Escondite” (video abajo) dirigido por Oleksiy Kucherenko. En septiembre también salió el álbum “Boom”, que tuvo su propio videoclip en noviembre.
En julio del 2022 lanzó las canciones “Dolor ucraniano”, “Desafío”, “Señorita”, “Bro” y la koliadka “Noche de júbilo”. En 2023 sacó «Весна» – “Primavera”, también «Найки» y la canción «Вірте люди у дива» – “La gente cree en milagros” junto a Kola (video abajo), y la canción con videoclip «Ріки» – “Años”. En diciembre “La gente cree en milagros” se convirtió en la banda sonora de la comedia “El cambio de año nuevo” en el canal ISTV.
En 2024 salió su canción con videoclip «Зміни» – “Cambios” (video abajo), además de «Мріяла» – “ella Soñaba” junto a MamaRika (video abajo), «Увімкни» con Yaktak, y «Мантра» – Mantra.
El gran poeta y escritor del romanticismo, ferviente patriota, pensador y humanista Tarás Shevchenko es, a la vez, un maestro excepcional de la pintura y el grabado ucranianos, fundador del realismo crítico y del elemento folclórico en las bellas artes ucranianas.
La obra creativa de Shevchenko, estrechamente ligada a la realidad de su época y basada en el movimiento de liberación nacional, estaba fundamentalmente conectada con el futuro y se proyectaba hacia él. Constituye una etapa importante en el desarrollo del realismo y del elemento folclórico en el arte. Los artistas ucranianos consideran el legado artístico de Shevchenko como una de las tradiciones nacionales más importantes y valiosas.
La muerte de Bohdan Jmelnytsky, 1836-1837, tintaMuerte de Sócrates, 1837, acuarela y tinta
El valor incalculable del legado artístico de Shevchenko reside en que expresó los intereses del pueblo ucraniano de su época. Las ideas y los temas de sus obras reflejaban el sentir de las masas oprimidas no solo en Ucrania, sino también las aspiraciones y esperanzas de los trabajadores de diversas nacionalidades.
Shevchenko, junto con Fedotov, consolidó el realismo crítico como una nueva y progresista corriente en las bellas artes rusas de aquel entonces. Durante sus primeros años como alumno del pintor Vasiliy Shiryayev, y al mismo tiempo asistiendo a clases de dibujo en la Asociación de Jóvenes Artistas, el joven siervo Shevchenko se volcó en temas de la historia de su patria. Se esforzó por plasmar en sus composiciones las aspiraciones y hazañas sagradas del pueblo ucraniano, retratar con veracidad su vida cotidiana y reproducir las imágenes de su pasado heroico.
Retrato de Mykola Lunin, 1838, acuarelaAutorretrato, 1840-1841, óleo
En su carta al editor de la revista «El Lector del Pueblo», Shevchenko escribió: «La historia de mi vida forma parte de la historia de mi patria». Estas palabras son clave para comprender la obra creativa de Shevchenko, artista y poeta.
Los temas de las obras de Shevchenko, que retratan la vida en Ucrania en aquella época, son muy diversos. Entre ellas cabe destacar la acuarela de 1841, «La adivina gitana», que recibió la medalla de plata del Consejo de la Academia de las Artes. Esta obra, a su vez, inspiró el lienzo aún mayor, «Kateryna», en el que el agudo tema de la denuncia social resuena con fuerza. El poema homónimo sirvió de base para esta pintura. El tema de «Kateryna» es de gran actualidad para aquel período. En esta obra Shevchenko expone el trágico destino de una sierva ucraniana, seducida, abandonada y humillada por un oficial ruso. Este cuadro constituye una página importante en la historia del arte ucraniano, un hito en la consolidación del folclore y el realismo crítico en el arte.
En la primavera de 1843, después de 14 años de separación de su tierra natal, Shevchenko visitó su natal Ucrania. En Ucrania, bajo la influencia de todo lo visto y experimentado, la idea de una edición de arte periódica titulada “Ucrania pintoresca” llegó a Shevchenko. Y así, habiendo llegado a San Petersburgo, comenzó esta obra con entusiasmo.
Shevchenko dividió la edición en tres partes:
Los paisajes ucranianos, mostrando la belleza del país o expresando su significado histórico, fueron incluidos en la primera parte;
La segunda parte incluía escenas de la vida cotidiana de ese período;
La tercera consistía en aguafuertes, que representan el pasado histórico del pueblo ucraniano.
Shevchenko fue el primero entre los artistas ucranianos en poner ante sí una tarea de gran importancia patriótica: la de familiarizar a los progresistas con la vida cotidiana del pueblo ucraniano, su pasado, así como con la belleza encantadora de la naturaleza ucraniana. Sin embargo, no pudo lograr esto por completo, ya que poco después fue arrestado y sentenciado a exiliado. En 1844 salió impresa la primera y única edición de “Ucrania Pintoresca”, que consta de seis grabados. El artista representó muchos temas de la vida de las personas oprimidas y sufrientes. Pintó lo más querido para su corazón, “la choza paterna de T. H. Shevchenko en el pueblo de Kyrilivka”… Fue aquí donde el pequeño huérfano, Taras, pasó su infancia sombría y sin alegría. Aquí su corazón fue picado primero por la injusticia humana, fundada en el gobierno de los ricos sobre los pobres.
La pintura “una familia campesina” se calienta por el gran amor del poeta por la gente y casi se puede sentir la compasión y la paz lírica que irradian de ella.
Familia de campesinos, 1843, óleoCasa paterna en Kerelivka, 1843, lápizJardín de Mangyshlak, 1851-1852, sepia, tinta, blanco de ChinaJardín cerca de la fortaleza de Novopetrovsk, 1854, acuarela
Entre las pinturas de este período se encuentra un gran número de retratos, incluyendo los de Mayevska, Olexandre Lukyanovich, Illya Lizogub, Gorlenko, Elizabeth Keyuatova y otros. En estos retratos, especialmente en los de mujeres, se puede apreciar fácilmente la influencia de Bryullov. Su delicadeza no solo radicaba en la técnica pictórica, sino también en la forma de plasmar las imágenes, donde la idealización tradicional se unía al deseo de transmitir la personalidad del retratado. Siendo aún estudiante de la Academia de Artes, Shevchenko creó una magnífica acuarela titulada “María”, inspirada en el poema “Poltava” de Pushkin. Ya en la primavera de 1841, el nombre de Shevchenko figuraba junto al de Karl y Olexandre Bryullov, Fedor Tolstoy, Andrei Sapozhnikov y otros artistas destacados.
Monasterio Vozdvyzhensky en Poltava, 1845, acuarela, sepia, tintaCatedral de Voznesensky en Pereyaslav, 1845, acuarelaCasa de Kotliarevsky en Poltava, 1845, acuarelaTumba de Askold, 1846, acuarelaEl monasterio Lavra de Pochaiv. Vista sur, 1846, acuarela
En la primavera de 1845, Shevchenko finalizó sus estudios en la Academia de Artes y regresó a Ucrania. Sin embargo, no permaneció allí mucho tiempo.
El 5 de abril de 1847 fue arrestado y, sin juicio, exiliado como soldado raso a las lejanas estepas del Caspio. Durante su primer año de exilio Shevchenko se retrató a sí mismo con uniforme. Las famosas palabras de Shevchenko: «¡Soy castigado, sufro… pero no me arrepiento!…» pertenecen a este período. En su «prisión sin puertas», como él mismo la llamaba, Shevchenko creó la mayor parte de sus maravillosas obras durante un periodo de diez años. Estas obras lo elevaron a un nivel aún más alto, pues en ellas su maestría se volvió aún más precisa y minuciosa, y el significado que subyacía en ellas, aún más agudo y profundo.
Las obras del periodo de exilio se pueden dividir en tres grupos: retratos, paisajes y composiciones.
De los retratos, los más interesantes son los autorretratos de Shevchenko. En conjunto, constituyen una de las fuentes más valiosas para conocer la vida del artista.
Tras ser enviado como soldado-guardia a la expedición de Butakov, que entre 1848 y 1849 exploró las costas del mar de Aral, Shevchenko se desempeñó como artista de la expedición. Durante la expedición al Aral y posteriormente también, durante otra expedición a las colinas de Kara-Tau, que descubrió varios yacimientos de carbón en Kazajstán, y aún más tarde, durante su estancia en la fortaleza de Novopetrovsky, Shevchenko creó un gran número de pinturas de paisajes en acuarela.
Fuego en la estepa, 1848, acuarela
Estas pinturas de paisajes nos atraen por la madurez de su dominio del realismo. Aquí no encontramos la convencionalidad tan típica de la escuela académica de pintura de paisaje. En la conocida acuarela «La fortaleza de Novopetrovsky vista desde el mar», Shevchenko retrató la fortaleza donde pasó siete largos y duros años.
Costa escarpada del mar de Aral, 1848-1849, acuarelaIsla Nikolai, 1848-1849, acuarelaNoche de luna en Kos-Aral, 1848-1849, acuarela
Los temas costumbristas en la obra creativa de Shevchenko durante su exilio revisten gran importancia. Shevchenko observaba la vida cotidiana de aquellos a quienes la autocracia zarista llamaba extranjeros con la mirada de un amigo. El artista percibió lo que había conocido y experimentado desde su infancia en Ucrania: la opresión social y nacional.
En el cuadro en sepia «Niños mendigos kazajos», Shevchenko se retrató a sí mismo al fondo, con una expresión de tristeza y compasión. Este autorretrato, combinado con una escena costumbrista, le brindó la oportunidad de mostrar su propia actitud hacia los niños huérfanos pobres, así como hacia todo el pueblo kazajo, condenado por el zar a sufrir hambre y privaciones.
En el cuadro en sepia «Katia kazaja», Shevchenko retrató a una niña sosteniendo una vela frente a una lápida. En el rostro iluminado por la vela, el artista transmitió con cariño y profunda compasión su pureza espiritual.
Durante los últimos años de su exilio, Shevchenko creó una de sus principales obras: una serie titulada «La parábola del hijo pródigo». Las obras de esta serie impresionan por su profunda reflexión y agudeza crítica, con las que el artista condenaba los males de la realidad que lo rodeaba.
Según Shevchenko, «La parábola del hijo pródigo» pretendía ser una sátira sobre las costumbres y tradiciones salvajes de los comerciantes rusos, pero pronto se convirtió en una denuncia airada de todo el sistema de servidumbre autocrática. La serie incluye la obra “Castigo en el cepo”. Vemos al protagonista de la “Parábola” con un bloque de madera en la boca, representado sobre el fondo del cuartel de Novopetrovsky. Esto simbolizaba a la población, que carecía de libertad de expresión. En la esquina derecha del cuadro se aprecia el perfil de Shevchenko, como si quisiera transmitir que él mismo fue testigo de estas torturas inhumanas.
Antes de Shevchenko ningún artista de Ucrania o Rusia había alcanzado tal nivel de protesta social, ni siquiera en los años posteriores.
Perdido en el juego de cartas, 1856-1857, tinta, bistreEn el cepo, 1856-1857, tinta, bistreEn prisión, 1856-1857, tinta, bistre
En su diario y novelas, Shevchenko plasma importantes reflexiones sobre el arte, en las que se revela como un auténtico realista.
Criticando duramente el idealismo, Shevchenko utilizó su paisaje natal y la vida misma como base de su obra artística. En aquella época se oponía firmemente a la copia ciega de paisajes, es decir, al naturalismo. Shevchenko consideraba a la creación suprema de la naturaleza —el ser humano— como el objeto principal del arte.
Su visión sobre el papel del arte en la sociedad está directamente relacionada con su perspectiva materialista. Considera el servicio a la humanidad como la más alta vocación de un artista.
Las mejores obras de Shevchenko tras su exilio fueron las realizadas con la técnica del aguafuerte y la aguatinta. Algunos autorretratos y retratos a la pintura y al lápiz constituyen una excepción. Entre estos últimos destacan los maravillosos retratos del actor Shchepkin y del sobresaliente actor negro Ira Aldridge. Basta con comparar estos retratos con los anteriores del artista para comprobar la evolución de su maestría realista. Por su pincelada libre y fluida y su profunda representación psicológica, estos retratos se sitúan a la altura de los mejores de los maestros de finales del siglo XIX.
Retrato de Ira Aldridge, 1858, lápiz, lápiz blancoRetrato de Myjailo Maksymovych, 1859, lápiz, tizaRetrato de Maria Maksymovych, 1859, lápiz, tiza
Una poesía al azar: “La Gloria” – escrita el 9 de febrero de 1858 en Nizhni Nóvhorod:
“Indecente tabernera, cambalachera borracha, ¿Dónde diablos te has metido Que no se te ve la cara?
¿Te diviertes en Versalles A la mesa del monarca? ¿No andarás de picos pardos Aburrida y con resaca?
Siéntate aquí, al lado mío, Y de fastidio o de rabia, Les diremos mil verdades A esa jauría de sátrapas.
Y nos casamos, hermosa, Todo irá como Dios manda, Pues soy el mismo de siempre; No cambié, querida, nada.
Como antaño te persigo, Aunque sé de fuente clara Que, beoda, por tabernas, Con los tiranos te arrastras.
Con Nicolás el primero, Por esa campaña aciaga … Mas te digo francamente Que eso no me importa nada.
Déjame sólo mirarte Y recostarme a tus plantas Dormirme al dulce calor De tus placenteras alas.
En el arte del grabado, Shevchenko alcanzó tal éxito que la Academia Imperial de las Artes se vio obligada a otorgarle el honorable título de Grabador Académico.
Sus retratos y autorretratos grabados atraen especial atención. Resulta muy impresionante el profundo análisis psicológico con el que Shevchenko retrató la imagen del reconocido escultor y vicepresidente de la Academia de las Artes, F. P. Tolstói, quien desempeñó un papel fundamental en su liberación del exilio.
Entre los grabados de años posteriores se encuentran aquellos que ilustran obras de otros artistas: «Amigos» de I. Sokolov, «La parábola de los trabajadores en la viña» de Rembrandt, así como obras que ilustran sus propios temas: «Un anciano en el cementerio», «El jardín de Mangishlatsky» y otras.
De sus retratos, realizados con la técnica del grabado, cabe destacar el «Autorretrato con vela» y el «Autorretrato con sombrero y abrigo de piel de oveja». El primero fue ejecutado a partir de un dibujo de su infancia que no se ha conservado. Vemos a un joven Shevchenko con una vela en alto, lo cual es simbólico, pues fue con una vela encendida que Shevchenko inició su camino creativo; fue con ella que murió, dejando tras de sí la llama de un legado artístico que, hasta el día de hoy, reconforta los corazones de personas de todo el mundo.
Autorretrato con vela, 1860, grabadoAutorretrato, 1860, grabado
En el verano de 1859, durante sus últimos días en Ucrania, Shevchenko realizó solo unos pocos bocetos, pues estaba bajo la atenta vigilancia de la gendarmería. En tales condiciones no podía tener libertad creativa. Aun así, su obra sigue siendo de gran interés. Sus trabajos, realizados durante su estancia en Ucrania, por su maestría y realismo, se adelantaron a su tiempo y sin duda pueden compararse con los dibujos de los artistas más destacados de finales del siglo XIX.
Y al igual que el legado literario de Shevchenko, sus obras de bellas artes son inmortales. Perdurarán por siempre, recordando a la humanidad la gran hazaña creativa que este gran hijo de la humanidad realizó para el bienestar de los pueblos del mundo.
Там зозуля кувала¹ Тебе мама шукала Ти десь трошки заблукала Так вона собі гадала
Тобі коси розплітали² Говорили, що кохали Тебе заміж не давали Мама з татом не пускали
Бідна Марічка Ой бідна Марічка Любить Івана Любить Івана
До нього тікала До нього тікала Мамі брехала Мамі брехала
Там зозуля кувала Тебе мама шукала Ти десь трошки заблукала Так вона собі гадала
Тобі коси розплітали Говорили, що кохали Тебе заміж не давали Мама з татом не пускали
Плаче Марічка Ой плаче Марічка Сумує за Іваном Сумує за Іваном Вони більше не побачаться Вони не побачаться Так сказала мама
Приспів (x2)
Там зозуля кувала Тебе мама шукала Ти десь трошки заблукала Так вона собі гадала
Тобі коси розплітали Говорили, що кохали Тебе заміж не давали Мама з татом не пускали
Transliteración
Tam zozulia kuvala¹ Tebe mama shukala Ty des’ troshky zablukala Tak vona sobi hadala
Tobi kosy rozplitaly² Hovoryly, shcho kojaly Tebe zamizh ne davaly Mama z tatom ne puskaly
Bidna Marichka Oy bidna Marichka Liubyt’ Ivana Liubyt’ Ivana
Do n’oho tikala Do n’oho tikala Mami brejala Mami brejala
Tam zozulia kuvala Tebe mama shukala Ty des’ troshky zablukala Tak vona sobi hadala
Tobi kosy rozplitaly Hovoryly, shcho kojaly Tebe zamizh ne davaly Mama z tatom ne puskaly
Plache Marichka Oy plache Marichka Sumuie za Ivanom Sumuie za Ivanom Vony bil’she ne pobachat’sia Vony ne pobachat’sia Tak skazala mama
Pryspyv (x2)
Tam zozulia kuvala Tebe mama shukala Ty des’ troshky zablukala Tak vona sobi hadala
Tobi kosy rozplitaly Hovoryly, shcho kojaly Tebe zamizh ne davaly Mama z tatom ne puskaly
Traducción al español
Allí cantaba el cucú Tu madre te buscaba Te habías perdido un poco Eso es lo que ella pensaba
Te deshicieron las trenzas Te decían que te querían No te dejaban casarte Tu madre y tu padre no te dejaban
Pobre Marichka Ay, pobre Marichka Ama a Iván Ama a Iván
Huyó hacia él Huyó hacia él Le mintió a su mamá Le mintió a su mamá
Allí cantaba el cucú Tu mamá te buscaba Te habías perdido un poco Eso ella pensaba
Te deshicieron las trenzas Te decían que te querían No te dejaban casarte Mamá y papá no te dejaban
Marichka llora Ay, Marichka llora Echa de menos a Iván Echa de menos a Iván Ya no volverán a verse No volverán a verse Así lo dijo su mamá
Coro (x2)
Allí cantaba el cucú Tu mamá te buscaba Te habías perdido un poco Eso ella pensaba
Te deshicieron las trenzas Te decían que te querían No te dejaban casarte Mamá y papá no te dejaban
*Notas culturales:
¹. El género de la palabra zozulia en ucraniano es femenino, sin embargo el cucú en español es masculino. ². Las mujeres solteras se reconocen por usar trenzas o llevar el cabello suelto, mientras que una mujer casada se distingue por portar Justka (un pañuelo sobre la cabeza), y tener el cabello recogido o corto.
El cucú en la mitología ucraniana
El mito de Zozul (el cuclillo) tiene muchas variantes entre los descendientes de tribus indo europeas, de donde se originaron los proto-ucranianos. El ave puede presagiar el futuro. Profetiza la primavera y el verano, y también puede decir su tiempo de vida a quien le pregunte.
Incluso existe un mal presagio: si el cuclillo picotea 3 veces sobre el techo de una casa, el propietario morirá.
Klavdia Petrivna, en ucraniano Клавдія Петрівна, cuyo nombre verdadero es Соломія Опришко, nació el 13 de agosto de 2005 en el poblado de Hirne, provincia de Lviv, Ucrania.
Es una cantante, compositora y música ucraniana que, en los inicios de su carrera, mantuvo el anonimato. Alcanzó rápidamente gran popularidad en la red social TikTok. Sus canciones han tenido millones de reproducciones en YouTube y en servicios de streaming. A principios de 2024 encabezó las listas de éxitos de las emisoras de radio ucranianas con la canción «Знайди мене» (Encuéntrame).
Solomiya Opryshko nació en el pueblo de Hirne, actualmente perteneciente a la comunidad rural de Hrabovetsko-Dulibivska, en el distrito de Stryi, provincia de Lviv.
Estudió en la escuela de música. Se graduó en el Colegio de Música de Drohobych «Vasyl Barvinsky» (2024, clase de violín). Tocó en orquestas sinfónicas, de cámara y folclóricas.
Desde el inicio de su carrera, la cantante ha mantenido el anonimato.
Algunas fuentes indican que se trata de una mujer experimentada de entre 35 y 40 años, mientras que otras afirman que Klavdia Petrivna es joven, incluso una niña. Existía la teoría de que Klavdia Petrivna era un proyecto especial y que su voz se había creado mediante una red neuronal.
También circulaba entre los fans la opinión de que detrás de la cantante había una personalidad ya conocida. El equipo de la cantante reaccionó a estas teorías de diversas maneras. Estimularon debates en torno a la teoría de la inteligencia artificial, utilizando texto ambiguo en la descripción de los vídeos oficiales o en las páginas de la artista. Al mismo tiempo, la directora del sello discográfico, Kateryna Shevchenko, declaró en una entrevista que Klavdia es joven y aún estudia en un conservatorio de música.
Según el cantante ucraniano OSTY, Klavdia Petrivna decidió ser una cantante anónima no por motivos de relaciones públicas, sino por timidez y miedo a caer en desgracia en caso de fracaso. La artista admira la obra de Volodymyr Ivasyuk y la música francesa, en la que se inspira.
Solomiya Opryshko
El 20 de diciembre de 2023, el bloguero Bohdan Bespalov, citando sus propias fuentes, informó que el nombre real de la artista es Solomiya. Según su información, tiene 18 años, proviene del pueblo de Hirne, provincia de Lviv, y estudia en el Conservatorio de Música V. Barvinsky de Drohobych. Además, según información no confirmada, se encontró un fragmento de la canción “Te mentí” en las Stories de Instagram de Solomiya Opryshko, que publicó junto con ella en 2021. El estreno oficial de “Te mentí” interpretada por Klavdia Petrivna tuvo lugar en febrero de 2024. La confirmación de este nombre se produjo durante su segundo concierto debut como solista en el Palacio de los Deportes.
Masha Kondratenko
El 6 de febrero de 2024, durante el anuncio de los ganadores del premio “Amanecer Dorado Lirum”, Klavdia Petrivna resultó ganadora en la categoría de “Debut del Año”. El premio fue entregado a la famosa cantante Masha Kondratenko, pero ella no confirmó su identidad como la cantante anónima. Los oyentes notaron que los timbres de voz de Klavdia Petrivna y Masha Kondratenko eran diferentes.
El 8 de agosto de 2024, Klavdia Petrivna y Masha Kondratenko lanzaron el sencillo “Їде дах”, lo que confirmó que Klavdia Petrivna no es Masha Kondratenko.
**El audio es descargable gratis en mp3, y las que tienen 🌐 tienen enlace a artículo individual con letra oroginal, transliterada y traducida, además de video y audio.
Ivan Kotliarevsky, en ucraniano Іван Котляревський, nació el 9 de septiembre de 1769 en Poltava; falleció el 10 de noviembre de 1838, también en Poltava. Fue un poeta y dramaturgo ucraniano; el «fundador» de la literatura ucraniana moderna.
Tras estudiar en el Seminario Teológico de Poltava (1780-1789), trabajó como tutor en fincas de la nobleza rural, donde se familiarizó con la vida popular y la lengua vernácula campesina, y posteriormente sirvió en el ejército ruso (1796-1808). En 1810 se convirtió en administrador de una institución para la educación de los hijos de nobles empobrecidos. En 1812 organizó un regimiento de caballería kozaka para luchar contra Napoleón Bonaparte y sirvió en él como mayor. Colaboró en la puesta en escena de producciones teatrales en la residencia del gobernador general de Poltava y fue director artístico del Teatro Libre de Poltava (1812-1821). De 1827 a 1835 dirigió varias organizaciones filantrópicas.
La obra literaria más importante de Kotliarevsky es su parodia de la Eneida de Virgilio, su Eneïda, que comenzó a escribir en 1794. La publicación de sus tres primeras partes en San Petersburgo en 1798 fue financiada por Maksym Parpura. La cuarta parte apareció en 1809. Kotliarevsky terminó las partes cinco y seis alrededor de 1820, pero la primera edición completa de la obra (con glosario) se publicó póstumamente, en Járkiv, en 1842.
Pintura de Tarás Shevchenko sobre la casa de Iván Kotliarevsky
La Eneida se inspiró en la tradición de varias parodias existentes de la epopeya de Virgilio, incluidas las de P. Scarron, A. Blumauer, N. Osipov y A. Kotelnitsky. Aunque la parodia de Osipov-Kotelnitsky sirvió de modelo para el poema satírico de Kotliarevsky, este último, a diferencia del primero, es una obra completamente original y mucho mejor desde el punto de vista artístico. Además de la innovación de escribirlo en ucraniano vernáculo, Kotliarevsky empleó una nueva forma métrica: una estrofa de diez versos con yambos de cuatro pies y rimas regulares, en lugar del verso silábico, entonces popular.
La Eneïda fue escrita en una época en que el recuerdo popular del Hetmanato kozako aún estaba vivo y la opresión de la servidumbre zarista en Ucrania se encontraba en su apogeo. La amplia sátira de Kotliarevsky sobre las costumbres de los estamentos sociales durante estas dos épocas tan distintas, combinada con el uso, en boga, de detalles etnográficos y un ucraniano coloquial, vivaz y colorido, aseguró la gran popularidad de su obra entre sus contemporáneos.
Dio lugar a varias imitaciones (de Petro Hulak-Artemovsky, Kostiantyn Dumytrashko, Pavlo Biletsky-Nosenko y otros) e inició el proceso por el cual la lengua vernácula ucraniana adquirió el estatus de lengua literaria, suplantando así el uso de formas lingüísticas más antiguas y propias de los libros.
La opereta de Kotliarevsky, Natalka Poltavka (Natalka de Poltava), y el vodevil Moskal’-charivnyk (El hechicero moscovita) fueron hitos en el desarrollo del teatro ucraniano. Escritas hacia 1819, se publicaron por primera vez en los volúmenes 1 (1838) y 2 (1841) del almanaque Ukrainskii sbornik, editado por Izmail Sreznevsky. Ambas fueron escritas para el Teatro Libre de Poltava, donde también se representaron; ambas, en particular la primera, fueron una respuesta a las caricaturas de la vida ucraniana presentes en la comedia Kazak-stikhotvorets (El poeta kozako) del príncipe Aleksandr Shakhovskoi, que también se representó en el Teatro de Poltava.
Como dramaturgo, Kotliarevsky combinó la tradición del intermede con su conocimiento de las costumbres y el folclore ucranianos.
La influencia de Kotliarevsky se evidencia no solo en las obras de sus sucesores inmediatos (Hryhorii Kvitka-Osnovianenko, Taras Shevchenko, Yakiv Kujarenko, K. Topolia, Stepan Pysarevsky y otros), sino también en las obras de teatro etnográficas de la segunda mitad del siglo XIX y en la literatura rusa (las obras de los ucranianos Mykola Hóhol y Vasilii Narezhny) y bielorrusa (la anónima Eneida navyvarat [La Eneida travestida]).
En su uso de géneros y poética, se distinguió más como un clasicista influenciado por el Barroco que como un romántico incipiente. Su visión del mundo se guiaba por criterios morales más que sociopolíticos, y su simpatía por el campesinado ucraniano, oprimido social y nacionalmente, estaba subordinada a su lealtad a la autocracia zarista. Las ediciones completas de sus obras aparecieron en Kyiv en 1952-1953 y en 1969.
El Museo Kotliarevsky se inauguró en Poltava en 1952.Monumento a Ivan Kotliarevsky en Poltava
Iván Petrovich Kotliarevsky fue escritor, dramaturgo, y primer clásico de la literatura ucraniana moderna.
Nació el 9 de septiembre de 1769 en Poltava, en el seno de una familia de un funcionario de bajo rango. Posteriormente, Kotliarevsky recibió un título nobiliario. Desde 1780, el joven Ivanko comenzó sus estudios en el Seminario Teológico de Poltava. El muchacho se dedicó con especial esmero y perseverancia a las disciplinas humanísticas: poética, retórica, filosofía, latín, griego, francés y alemán. Se interesó por la literatura clásica y tradujo a Horacio, Ovidio y Virgilio. Descubrió las obras de Lomonósov, Kantìmir y Sumarokov. Uno de sus compañeros recordaba que el poeta «sentía pasión por la poesía y sabía elegir con maestría rimas ingeniosas y efectivas para cualquier palabra, por lo que sus compañeros del seminario lo apodaron “el rimador”».
En 1789, tras la muerte de su padre, a los veinte años, abandonó el seminario en su último año de estudios y comenzó a trabajar como funcionario en las oficinas de Poltava, para luego dedicarse a la enseñanza en familias de terratenientes.
«Durante este periodo de su vida, asistía a reuniones y juegos populares, y él mismo, disfrazado, participaba en ellos, escuchaba con mucha atención las conversaciones populares, anotaba canciones y palabras, estudiaba la lengua, el carácter, las costumbres, los rituales, las creencias y las tradiciones de los ucranianos, como si se preparara para su futuro trabajo…»
Fue durante su etapa como profesor, a partir de 1794, cuando el escritor comenzó su labor creativa en la famosa «Eneïda».
Entre 1794 y 1796, I. Kotlyarevsky trabajó en las tres primeras partes del poema. De 1796 a 1808, estuvo en el servicio militar. Como parte del Regimiento Siversky, formado a partir del Regimiento Kozako Ucraniano, participó en la guerra ruso-turca, destacándose especialmente en las batallas cerca de Bender e Izmail.
I. Kotlyarevsky recibió varias condecoraciones por su valentía y coraje. Incluso en los difíciles días de combate, Iván Petrovich continuó trabajando en la “Eneida”. Inicialmente, I. Kotlyarevsky no tenía intención de publicar el poema; se distribuyó entre los lectores en copias manuscritas, pero en 1798 fue publicado en San Petersburgo por Maksym Parpura, terrateniente de Konotop y amante de la literatura ucraniana. Posteriormente, en 1808, el editor I. Glazunov reeditó esta obra. Estas publicaciones se realizaron sin el conocimiento ni el consentimiento del autor, por lo que presentaban defectos significativos que no lo satisficieron.
En 1808, con el rango de capitán, I. Kotlyarevsky renunció y buscó trabajo en la administración pública de la capital del norte. En 1809, se publicó su famoso poema en cuatro partes «La Eneida de Virgilio, traducida al ruso primitivo por I. Kotlyarevsky». El título incluía la nota del autor: «Recientemente corregido y ampliado respecto a ediciones anteriores».
Desde 1810 hasta el final de su vida, Iván Petrovich Kotlyarevsky vivió en Poltava, donde trabajó como supervisor en la Casa para la Educación de los Hijos de Nobles Pobres, una institución educativa que impartía enseñanza según el programa del gimnasium. Desde 1827, fue administrador de las «Instituciones Agradables a Dios» de Poltava. En este ámbito de responsabilidad, I. Kotlyarevsky se consagró como un talentoso maestro y organizador del proceso educativo.
Durante todo este tiempo, el escritor no se apartó de la actividad creativa y se dedicó al teatro. En 1818, fue nombrado director del Teatro de Poltava. Para enriquecer el repertorio, creó el drama “Natalka Poltavka” y el vodevil “Moskal-charivnyk”, que se estrenaron con éxito en 1819.
Así, en el escenario de Poltava, nació un teatro profesional nacional, desde los inicios del nuevo drama ucraniano. Gracias a los esfuerzos de I. Kotlyarevsky, M. Shchepkin fue liberado de la servidumbre y posteriormente actuó con éxito en las obras de su mecenas.
En 1821, el poeta terminó de escribir el poema, la última parte de la “Eneida”, pero no llegó a ver su edición completa. Se publicó en 1842, después de la muerte del autor. En 1835, por motivos de salud, I. Kotlyarevsky se retiró, pero no se apartó de la vida cultural de la época. Representantes de los sectores más amplios de la población acudían constantemente a él en busca de apoyo y consejo, y él procuraba brindar a todos la ayuda necesaria. Por lo tanto, la noticia de su fallecimiento el 10 de noviembre de 1838 fue recibida con gran tristeza y dolor.
La obra de I. Kotlyarevsky marcó el comienzo de una nueva era en la literatura ucraniana. Un poderoso movimiento de renacimiento nacional se inició con el relativamente pequeño volumen de su producción literaria. El poema “Eneida”, en el que I. Kotlyarevsky trabajó durante casi tres décadas, se convirtió en un fenómeno trascendental en la vida espiritual del pueblo ucraniano por su significado social y artístico, y determinó el contenido, la dirección y la forma de una auténtica literatura ucraniana. Incluso se utiliza en la actualidad para conocer el nombre de objetos cotidianos que existían en ese entonces.
La vida y la obra de I. Kotlyarevsky se desarrollaron en un momento en que, al parecer, los cimientos mismos de la idea nacional se enfrentaban a una de las pruebas más severas de su existencia. La inexorable realidad autocrática destrozó las esperanzas del pueblo ucraniano. La poderosa y total presión imperial acabó por destruir incluso las posibles manifestaciones del espíritu nacional. Con incredulidad, extorsión y sangre, las páginas del despiadado siglo XVIII quedaron grabadas en los anales de la historia del pueblo ucraniano, que, según la acertada definición de Panteleimon Kulish, resultó ser la época del “saqueo de la propiedad nacional por todos los medios posibles e inverosímiles”.
Fue un tiempo en el que, en una encrucijada histórica, el pueblo podía perderlo todo: esperanzas, tradiciones, cultura, futuro y, en última instancia, asimismo. Las protestas espontáneas eran sofocadas una y otra vez por la fuerza implacable y la cruel arbitrariedad de los sátrapas zaristas. La servidumbre, con su moral salvaje y sus leyes inhumanas, cobraba cada vez más fuerza. “Ucrania luchó hasta el límite”, escribió su genio Taras Shevchenko.
Y de repente, en medio del silencio sepulcral, se oye una risa: una risa desdeñosa, sarcástica, que afirma la vida. Esa risa despertó en el alma de la gente no solo un sentido de dignidad, sino que también restauró la fe en sí mismos, en su singularidad y significado. Quizás ninguna nación en el mundo otorga tanta autoridad a sus artistas como la ucraniana. Esto es especialmente cierto en el caso de los escritores. La palabra siempre ha gozado de un respeto especial en la sociedad ucraniana y, por lo tanto, los escritores y poetas eran percibidos por la opinión pública casi como profetas. En última instancia, al comprender la historia de Ucrania y centrarse en las realidades del presente, quedan convencidos de que: el hecho de que Ucrania independiente haya surgido es el primer mérito de su escritura.
Por lo tanto, considerar a I. Kotlyarevsky solo como escritor no les permite siquiera pensar en la totalidad de la percepción de esta figura pública. Solo los criterios socioliterarios son capaces de mostrar realmente su magnitud y significado. T.G. Shevchenko logró transmitir el peso histórico y la importancia de su gran predecesor en tan solo dos líneas. Iván Kotlyarevsky
Toda la gloria de los kozakos, en una sola palabra, la trasladó a la humilde choza de un huérfano.
Ya para sus contemporáneos, la “Eneida” era percibida como una especie de manual de la vida nacional, un panorama de la vida cotidiana y las costumbres. Virgilio escribió su obra en una época en que el imperio se consolidaba gradualmente en el estado romano, en lugar de la república. El poder ilimitado se concentraba en manos de Octavio Augusto. Siendo un ferviente defensor de esta forma de gobierno y del propio emperador, el poeta describe el poder casi como una misericordia santificada por poderes superiores, y a Octavio Augusto como un semidiós, descendiente del mítico hijo del rey troyano Anquises y la diosa del amor Venus: Eneas, quien, según la leyenda, tras la destrucción de Troya por los griegos, partió hacia las costas de Italia y fundó la ciudad de Roma.
La “Eneida” de Virgilio tuvo una trayectoria literaria sumamente exitosa, si no triunfal. La popularidad y la perdurabilidad del poema se explican por la exaltación y el establecimiento del absolutismo, el poder del monarca, que encontró un ferviente apoyo en la aristocracia europea. La “Eneida” de Virgilio se convirtió durante mucho tiempo en un modelo de obra clásica. Iván Kotlyarevsky conocía esta obra desde sus días de seminario en su versión original en latín. También fue conocido por la parodia de M. Osipov y O. Kotelnitsky, “La Eneida de Virgilio, al revés”.
Al desarrollar la trama de su obra, I. Kotlyarevsky tomó del poema de Virgilio únicamente la trama principal y los nombres de los personajes principales. Para comprender adecuadamente la importancia de Kotliarevsky en la historia del movimiento social ucraniano, debemos prestar especial atención a tres momentos clave de su obra: su relación con el contexto en el que se originó su actividad, la fuerza de su conciencia y, finalmente, sus consecuencias e influencia en la formación de la idea y el movimiento nacional en Ucrania.
“Las características de estos momentos permiten al lector comprender la independencia, la conciencia y la influencia de Kotlyarevsky”, escribió S. Yefremov sobre el fundador de la nueva literatura ucraniana. Guiados por esta definición, resulta mucho más fácil, en definitiva, comprender el célebre poema de nuestro clásico. Por supuesto, la principal fuente de inspiración y material poético para el artista fue la realidad de su tiempo. Lo más importante es que el escritor se propuso una tarea hasta entonces inaudita: plasmarlo todo mediante nuevos métodos creativos.
No invoco a la musa así: alegre, bella, joven, —que Pegaso patee a la vieja—
Detrás de este enfoque, algo simplista, subyace una poderosa idea de renovación. El escritor la abordó con buenas intenciones, lo que finalmente le reportó una abundante cosecha de logros creativos. El autor transmitió y reprodujo los rasgos ucranianos, las realidades de la vida cotidiana, los giros inesperados de las situaciones y las posturas con suma sinceridad y expresividad. Un humor generoso complementó la plenitud figurativa de los héroes del poema. Tras el telón mitológico se vislumbran claramente los contornos de la sociedad contemporánea, plagada de injusticias. La peculiaridad nacional del pueblo ucraniano reside en un amor incontenible por la libertad, capaz de superar cualquier obstáculo. Esta brillante idea impregna toda la estructura artística de la «Eneida».
Según O. Biletsky, «la fuerza y la razón de la perdurabilidad de esta obra residen en la unidad de la idea y el estilo del autor. Esta unidad se manifiesta en la visión del mundo sumamente vital, optimista y espontáneamente realista que impregna el poema». Se convirtió en el primer monumento impreso de la literatura ucraniana, que pareció culminar una larga trayectoria «clandestina» y, al mismo tiempo, abrió nuevas perspectivas de desarrollo, y, a pesar de su apariencia cómica, tuvo una profunda relevancia pública.
Iván Frankó, al evaluar la incomparable hazaña literaria de I. Kotlyarevsky, comparó la obra del escritor con el despertar de un águila en alta montaña que, tras volar desde la cima, rodó sobre un bloque de nieve que, al deslizarse por la ladera rocosa, provocó una poderosa avalancha que resonó «mucho más fuerte que un trueno». No sería exagerado afirmar que esta inmensa avalancha continúa creciendo con nuevas masas activas hasta el día de hoy. Y esta es la grandeza de Iván Kotlyarevsky y su mérito histórico.
** Convirtió esta lengua suave, expresiva, fuerte y rica en una lengua literaria, y el ucraniano, considerado entonces solo un dialecto local, resonó con tal fuerza gracias a su delicadeza que sus sonidos se extendieron por toda Rusia. /**V.Korolenko.**/
** Mientras tanto, la figura de Kotliarevsky en la historia del movimiento social en Ucrania es verdaderamente trascendental, de tal magnitud que solo puede surgir en un punto de inflexión crítico de la vida social, en la frontera de dos épocas, como síntesis del pasado y fundamento del futuro. Sin partir de un análisis puramente literario, jamás comprenderíamos la figura de este escritor ni valoraríamos su obra y sus méritos como merecen. Por lo tanto, con una perspectiva social y literaria, debemos comenzar a evaluar la obra de nuestro primer escritor de la época moderna. Sí, el primer escritor, creador y padre de la literatura ucraniana moderna, e incluso de la literatura en sí misma… …Si bien, como bien se señala, Kotlyarevsky no fue un genio a escala mundial, realizó una obra de enorme importancia, sencillamente brillante, dando un impulso consciente a la nueva literatura y al movimiento social del pueblo recién renacido. Y tales méritos no se olvidan, y cuando el pueblo ucraniano también aporta algo propio al tesoro universal del patrimonio espiritual, debemos recordar que todo comenzó con Kotlyarevsky.
/**S. Efremov.**/
** /*Gobernarás, padre,*/ /*Mientras haya gente;*/ /*Mientras brille el sol en el cielo,*/ /*¡No serás olvidado!*/
/**T.G. Shevchenko.**/
** /*Donde el amor a la patria es heroico,*/ /*Allí el poder del golpe no puede resistir,*/ /*Allí el corazón es más fuerte que los cañones…*/ /*Donde el bien común está en decadencia,*/ /*Olvida al padre, olvida a la madre…*/ /*Los años cumplirán con el deber.*/
/**I. Kotlyarevsky.**/
Hryhorii Kvitka-Osnovianenko, en ucraniano Григорій Квітка-Основ’яненко, nació el 29 de noviembre de 1778 en Osnova, ahora un suburbio de Járkiv; falleció el 20 de agosto de 1843 en Járkiv. Fue un importante escritor ucraniano; figura cultural y cívica.
A los 23 años ingresó en el Monasterio de Kuriazh, pero tras servir como novicio durante 10 meses regresó a la vida secular. Su religiosidad se mantuvo constante a lo largo de su vida y es evidente en sus escritos. Por iniciativa suya se fundó el Teatro de Járkiv en 1812, y fue su primer director. Ese mismo año también ayudó a fundar y dirigió la Sociedad de la Beneficencia, que proporcionaba ayuda a niños indigentes. Fue benefactor de un instituto para niñas y se desempeñó como mariscal del condado para la nobleza (1816-1828), presidente de la sala de Járkiv del tribunal penal (1840-1843) y curador de la primera colección pública de libros de Járkiv.
Kvitka comenzó a escribir bastante tarde en su vida, primero en ruso y luego en ucraniano. Su obra Malorossiiskie anekdoty (Pequeñas anécdotas rusas) fue escrita entre 1820 y 1822 y publicada en 1822. Siendo miembro de la nobleza provincial, que aceptaba el orden social y político existente como inmutable, Kvitka nunca abordó en sus escritos el tema de la injusticia social o nacional. Al principio, escribió siguiendo la tradición de la parodia literaria representada por Ivan Kotliarevsky, que consideraba la escritura en ucraniano simplemente como un pasatiempo agradable.
Su primer cuento en ucraniano, y el primer relato de la literatura ucraniana moderna —«Saldats’kyi patret: Latyns’ka pobrekhen’ka po nashomu rozkazana» (El retrato de un soldado: un cuento latino narrado en nuestra lengua, 1833)— está escrito al estilo de Kotliarevsky. En cierta medida, sus otras novelas humorísticas —«Parjymove snidannia» (El desayuno de Parjym, 1841), «Pidbrekhach» (La segunda casamentera, 1843) y «Kupovanyi rozum» (Inteligencia comprada, 1842)— pertenecen al mismo género.
Portada de la edición de 1837 a su “Pequeñas novelas de la Rus'”
Mucho más importante fue su colección Malorossiiskie povesti (Pequeñas novelas de la Rus’, 2 vols., 1834, 1837), que incluía «Marusia», «Serdeshna Oksana» (La pobre Oksana), «Shchyra liubov» (Amor verdadero), «Bozhi dity» (Los hijos de Dios), «Perekotypole» (La hierba rodadora) y otros relatos. En ellos, trascendió la anécdota y la parodia, demostrando que la lengua ucraniana también puede utilizarse para temas serios. Estos cuentos tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior de la literatura ucraniana y le valieron a su autor el título honorífico de «padre de la prosa ucraniana».
Con tramas sin conflicto social y personajes que son paradigmas de castidad y piedad, los relatos serios de Kvitka son ejemplos típicos del sentimentalismo ucraniano, basado tanto en la tradición literaria como en la oral. La predilección de Kvitka por el detalle etnográfico dejó huella en la prosa ucraniana del siglo XIX e incluso del XX. Su estilo sencillo se debe a la creencia generalizada de que para escribir en ucraniano había que ver el tema desde la perspectiva de la gente común.
La perdurable popularidad de Kvitka como dramaturgo se basa en las comedias Svatannia na Honcharivtsi (Casamenteros en Honcharivka, 1836), Shel’menko, volostnoi pysar (Shelmenko, el escribano del distrito, 1831) y Shel’menko-denshchyk (Shelmenko el ordenanza, 1837). También escribió varias comedias en ruso, entre ellas Priezzhii iz stolitsy, ili sumatokha v uezdnom gorode (El recién llegado de la capital, o El alboroto en la ciudad del condado, 1840), que algunos críticos consideran precursora de Revizor (El inspector general) de Mykola Hóhol. Su obra más popular en ruso fue la novela Pan Jaliavskii (El maestro Jaliavsky, 1839).
Las obras de Kvitka han aparecido en numerosas ediciones. Pertenecen al período clasicista y están bastante libres del romanticismo, que por entonces se ponía de moda. Su principal contribución fue extender el uso del idioma ucraniano a la prosa «seria» y fomentar el interés por la etnografía entre sus sucesores literarios. También escribió varios estudios históricos sobre la Ucrania Slobidska; la mayoría de ellos se publicaron en la revista Sovremennik.
Vasyl Hohol-Yanovsky, en ucraniano Василь Гоголь-Яновський, nació en 1777, en fecha desconocida, en el jútir Kupchyn, hoy Hoholeve cerca de Myrhorod, región de Poltava; falleció el 31 de marzo de 1825 en Kybyntsi, provincia de Poltava. Fue un importante poeta y dramaturgo ucraniano, padre de Mykola Hohol.
Terrateniente de ascendencia dentro de la starshyná kozaka, era descendiente de Ostap Hohol, coronel kozako del siglo XVII y hetman interino de la Ucrania de la margen derecha. El bisabuelo y el abuelo de Hohol-Yanovsky fueron sacerdotes; su padre, Opanas, estudió en la Academia Teológica de Kyiv y trabajó como escriba en la oficina del regimiento de Myrhorod. Según la tradición familiar, entre 1792 y 1796, Hohol estudió en el Seminario Eslavo de Poltava, donde se impartían clases de literatura clásica y estudios avanzados de latín, griego, francés y alemán, además de matemáticas y arte; en otras épocas, figuras notables como Ivan Kotliarevsky y Mykola Hnidych también estudiaron en este seminario. Tras su graduación, Hohol-Yanovsky trabajó como secretario provincial en la oficina de correos de Poltava. En 1799 adquirió el rango de consejero titular, lo que le otorgó el derecho a un título nobiliario individual (no hereditario). En 1805 se retiró como asesor colegiado y se instaló en la finca familiar en el pueblo de Vasylivka, junto con su esposa Mariia Kosiarovska, con quien se casó ese mismo año.
Hohol-Yanovsky combinaba en su carácter las habilidades prácticas necesarias para administrar su finca con una sensibilidad propia de su época. Por ejemplo, mandó diseñar su jardín al estilo inglés, pero, según su deseo, los árboles se plantaron en los lugares donde caían guijarros esparcidos al azar por sus hijos. Este jardín, que, en consonancia con el espíritu de su tiempo, concebía como una síntesis de diversas artes y un espacio donde la naturaleza se entrelazaba armoniosamente con el arte y la arquitectura, se convirtió, con el paso de los años, en una impresionante manifestación de los proyectos artísticos conjuntos de padre e hijo, Vasyl y Mykola Hohol.
Escudo de la familia
Estructuras como la glorieta de la soledad y la gruta de la reflexión fueron construidas allí según los propios bocetos de Hohol-Yanovsky. La poesía y la libertad en contacto con la naturaleza fueron los principios que estableció como fundamentos de la vida familiar y la comunicación; por ejemplo, se prohibieron los ruidos fuertes para no molestar a los pájaros. Escribió sobre esto en uno de sus poemas, compuesto en ese entonces: «Lo único que disfruto es la naturaleza misma, / No me seduce la riqueza de nadie, / Estoy satisfecho con mi destino / Y este es mi lema favorito». El primer biógrafo de Hohol-Yanovsky, Panteleimon Kulish, escribió sobre el talento narrativo de Hohol-Yanovsky, señalando que era de lengua afilada y que aderezaba sus historias con humor ucraniano.
En 1812, el aristócrata ucraniano Dmytro Troshchynsky (tío de la esposa de Hohol-Yanovsky) le ofreció a Hohol-Yanovsky el puesto de secretario privado. Tras retirarse de sus altos cargos gubernamentales en San Petersburgo, Troshchynsky residía cerca de Vasylivka, en su finca del pueblo de Kybyntsi, que convirtió en un importante centro cultural, conocido por muchos como la «Atenas ucraniana». Entre otras responsabilidades, a Hohol-Yanovsky se le confió el cuidado del teatro de siervos de Troshchynsky. Dotado de gran talento artístico, Hohol-Yanovsky desempeñó los roles de director, actor, músico, director de orquesta y dramaturgo en el teatro de Kybyntsi. Mykola Hohol visitaba con frecuencia a sus padres allí y, según algunos estudiosos, el ambiente culto de Kybyntsi influyó profundamente en su evolución espiritual y en el desarrollo de su sensibilidad artística.
Como era bastante típico en Europa a finales del siglo XVIII, la fascinación por el teatro en Ucrania se manifestaba en intentos de materializar una versión específicamente nacional de los conceptos barrocos de «el mundo como escenario» y «el mundo de las máscaras». El teatro se concebía como una realidad cultivada e imaginada, donde reinaban el amor y la risa, y donde las personas y la naturaleza podían transformarse. Según los relatos de sus contemporáneos, Dmytro Troshchynsky era particularmente aficionado a las obras de teatro ucranianas, y la mayoría de ellas fueron escritas y puestas en escena para él por Hohol-Yanovsky.
Sin embargo, solo se conserva una obra de Hohol-Yanovsky: «Prostak, abo khytrist’ zhinky, iaku perekhytruvav soldat» (El simplón, o la astucia de una mujer engañada por un soldado). Fue publicada en 1862 en Osnova (San Petersburgo) por Panteleimon Kulish, quien en el prefacio comparó la obra de Hohol-Yanovsky con «Moskal-Charivnyk» (El hechicero moscovita) de Ivan Kotliarevsky y concluyó que «El simplón» puede considerarse la primera comedia ucraniana. Según estudiosos del siglo XX como Leonid Biletsky, «El simplón» de Hohol-Yanovsky es claramente anterior a «Moskal-Charivnyk» de Kotliarevsky, e incluso pudo haber sido utilizada por Kotliarevsky como fuente de inspiración para «Moskal-Charivnyk» y, en cierta medida, también para «Natalka-Poltavka» (Natalka de Poltava). Lo más probable es que el período creativo más activo de Hohol-Yanovsky fuera entre 1809 y 1814, cuando escribió su obra “El simplón” y la obra de teatro “Sobaka-vivtsia” (El perro pastor).
A primera vista, «El simplón» se asemeja a un típico vodevil, con una acción basada en situaciones frívolas, representada de forma cómica y con numerosas canciones. Dmytro Chyzhevsky consideraba la obra de Hohol-Yanovsky más caricaturesca que «Moskal-Charivnyk» de Ivan Kotliarevsky. Sin embargo, en muchos sentidos, esta obra se distancia de la artificialidad de muchas operetas populares de la época y se acerca más a una auténtica comedia folclórica. Una trama bastante típica de vodevil se desarrolla en esta obra en un entorno rural ucraniano.
La obra retrata a una joven y astuta aldeana, Paraska, esposa de un kozako de nombre Roman, simple y perezoso, que intenta engañar a su marido y tener relaciones amorosas con su amante secreto, un diácono. La trama cómica, de estilo farsesco y de humor físico, ambientada en la casa de Roman y Paraska, es inicialmente complicada y posteriormente resuelta por un soldado moscovita que, en el proceso, engaña a Paraska para que le dé comida. Un tema más serio vinculado a la trama se insinúa en el monólogo-canción de Paraska sobre la triste vida de una joven casada con un marido al que no ama. En esta canción, Paraska reivindica su derecho a la felicidad femenina, lo que, en efecto, introduce un tipo de conflicto dramático fundamentalmente nuevo —en el contexto de la literatura cómica de la época—, introducido por Hohol-Yanovsky en esta obra. Otro aspecto de «El simplón» es el dominio del lenguaje por parte del dramaturgo. Las notas de Vasyl Hohol-Yanovsky indican que, mientras escribía la obra, investigó activamente palabras ucranianas poco comunes, por lo que también puede considerarse un investigador de la lengua ucraniana. En ocasiones, utiliza hábilmente la mezcla de ucraniano y ruso; en particular, el ruso pretencioso, pero mutilado, del diácono crea un poderoso efecto cómico. Dmytro Chyzhevsky consideraba este «lenguaje macarrónico» una característica original del estilo cómico de Hohol-Yanovsky, que influyó considerablemente en la famosa ornamentación estilística de Mykola Hóhol en sus primeros relatos en ruso.
En general, Mykola Hohol tenía en alta estima las obras de su padre: las llevó consigo al Liceo de Nizhyn y más tarde le pidió a su madre que se las enviara a San Petersburgo, donde planeaba representarlas en un teatro local. Los estudiosos han señalado varias coincidencias entre «El simplón» de Hohol-Yanovsky y los relatos de su hijo, como los epígrafes de los capítulos de «La feria de Sorochyntsi» de Hóhol, la imitación de ciertas situaciones argumentales o la forma de interacción entre los personajes principales de ambas obras. En general, parece que Mykola Hóhol se inspiró generosamente en el profundo conocimiento que Hohol-Yanovsky tenía de la literatura popular cómica y sus modos de expresión.
Las obras de Hohol-Yanovsky ejercieron una influencia significativa en el desarrollo del drama y el teatro ucranianos del siglo XIX. En muchos sentidos, introdujo en escena a ciertos tipos de personajes populares ucranianos, que hablaban un dialecto ucraniano muy vivo y que llegaron a dominar la posterior tradición del teatro etnográfico ucraniano del siglo XIX.
La Escuela Romántica de Járkiv es el nombre que recibió un grupo de jóvenes poetas que fueron profesores o estudiantes de la Universidad de Járkiv entre 1830 y 1840.
Мико́ла Іва́нович Костома́ров – Mykola Kostomárov, integrante de la escuela de Járkiv
El término «escuela» fue propuesto por Ahapii Shamrai, quien investigó y publicó su poesía. Los principales representantes de la escuela fueron Izmail Sreznevsky, Amvrosii Metlynsky, Mykola Kostomarov, Levko Borovykovsky, Myjailo Petrenko y Opanas Shpyhotsky. Al igual que los jóvenes poetas de otras naciones durante el Romanticismo, estaban imbuidos de una incipiente conciencia nacional, lo que los impulsó a estudiar la etnografía de su pueblo. Al recopilar, publicar e imitar canciones populares, leyendas e historias, los románticos de Járkiv desarrollaron sus propios temas, predominantemente históricos.
Como resultado de su interés etnográfico, su visión del pueblo llano difería de la actitud paternalista de sus predecesores Ivan Kotliarevsky y Hryhorii Kvitka-Osnovianenko. En lugar de tratar al pueblo como ingenuos hijos de la naturaleza, vieron en él una fuente de renovación espiritual, fortaleza e inspiración poética. Esta nueva visión fue compartida incluso por aquellos que, como A. Metlynsky, se sintieron intimidados por la represión de la Hermandad de Cirilo y Metodio y no creían en la viabilidad de un renacimiento nacional del pueblo ucraniano. Sin superar del todo la tradicional inclinación a la verborrea, los románticos de Járkiv rechazaron la burla literaria cultivada por la generación anterior y recordaron a los ucranianos cultos que, como escribió Panteleimon Kulish, su lengua materna «no existe solo para reprender al campesino vago».
Esta nueva actitud hacia el pueblo dio origen posteriormente a un mesianismo ucraniano, que se articuló en la obra de M. Kostomarov, Knyhy bytiia ukraïns’koho narodu (Libros de la génesis del pueblo ucraniano).
